Festival Internacional de Jazz de Oviedo 2006


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Fecha de celebración: mes de julio.

El Festival Internacional de Jazz de Oviedo*, pese a su juventud, comienza a ser un clásico y un referente dentro del panorama español, pudiéndose comparar con otros festivales de jazz de ámbito nacional, como el de Vitoria o San Sebastián.

Organizado por la Sociedad Ovetense de Festejos (SOF), este exitoso certamen cuenta en cada edición con un cartel de lujo y figuras muy importantes del panorama internacional, nacional y regional que, a mediados del mes de julio, animan las estivales noches de la capital del Principado de Asturias con lo mejor del jazz, blues, gospel, bossa nova...

Por aquí han desfilado artistas de la talla de Maceo Parker, Uri Caine, Solomon Burke, Bill Wyman, Barbara Hendriks, Charles Lloyd, Al Jarreau, John Mayall, Vargas Blues Bland, Isaac Turienzo, Taj Mahall & The Trio, etc.

Las actuaciones se desarrollan en distintos y espléndidos escenarios (plaza de El Fontán, patio del edificio histórico de la Universidad, Auditorio Príncipe Felipe, este último de pago), y en horario escalonado, de modo que se pueda acudir a todas ellas.

FESTIVAL 2006

La edición de este año fue todo un éxito en cuanto a organización, idoneidad de los escenarios (Auditorio, claustro bajo de la Universidad, plaza El Fontán y Sala Tribeca), calidad y profesionalidad de los músicos y respuesta del público.

El soul-rock de Solomon Burke, el purismo de Charles Lloyd, la fusión de Al Jarreau y el viejo r&b del ex «Rolling Stones» Bill Wyman y su banda, en el Auditorio Príncipe Felipe (plaza de la Gesta), entusiasmaron al respetable. Lo mismo sucedió con las «Noches Temáticas del Paraninfo» de la Universidad de Oviedo (c/ San Francisco), donde Joaquín Chacón encandiló con su fusión de los ritmos del jazz con el flamenco; Yara Beilinson Quintet, con los sones brasileños (jazz brasileño, bossa nova), sin olvidarse de la actuación de la Vargas Blues Band con Devon Alman, o de Atomic. En la entrañable plaza del Fontán, poblada de gospel, blues, brazilian jazz, bossa..., todos estuvieron a gran altura, entre ellos el genial pianista norteamericano Uri Caine, considerado uno de los grandes del jazz contemporáneo. Por la Sala Tribeca, que se ocupó de la fiesta final de cada jornada, desfilaron diversos instrumentistas, grupos y autores de jazz regional.

Programa 2006

Auditorio Príncipe Felipe (20.30 h): «Estrellas del Jazz Internacional»

17 de julio (lunes): Solomon Burke.

18 de julio (martes): Charles Lloyd con Zakir Hussain y Eric Garland presentando Sangham.

19 de julio (miércoles): Al Jarreau.

20 de julio (jueves): Bill Wyman and The Rhythm Kings.

Claustro bajo de la Universidad (22.30 h): «Noches Temáticas del Paraninfo»

17 de julio (lunes): Synthesis Ensemble (Universidad de Brigham Young, EE. UU.).

18 de julio (martes): High Groovin Jazz Band.

19 de julio (miércoles): Joaquín Chacón.

20 de julio (jueves): Eddie Henderson Iberian Quartet.

21 de julio (viernes): Vargas Blues Bland with Devon Alman.

22 de julio (sábado): Atomic.

Plaza El Fontán (24.00 h): Gospel, blues, brazilian jazz, bossa...

17 de julio (lunes): Leonel O'Zúñiga & Havana Street Band.

18 de julio (martes): The Black Heritage Choir: «The Sound of Gospel».

19 de julio (miércoles): Yara Beilinson Quintet.

20 de julio (jueves): Divine Gospel Reunion.

21 de julio (viernes): The Campbell Brothers.

22 de julio (sábado): Uri Caine.

Sala Tribeca (01.00 h):

Del 18 al 23 de julio: Dr. Macaroni Latin-Jazz Brass.

17 de julio (lunes): Sopa de Ganso Dixie Band.

18 de julio (martes): Latin-Va.

19 de julio (miércoles): Fool Ensemble Quintet.

20 de julio (jueves): Marco Martínez Quartet.

Artistas

Solomon Burke

Con la publicación de su último álbum de 2005 Make Do With What You Got, el genio de la música soul, Solomon Burke, nos vuelve a regalar una colección poderosa de temas que reflejan sus inimitables logros pasados como otros en la nueva dirección hacia otro nivel artístico. Se presenta con un feeling cálido y con una formación funky en donde las incomparables cualidades vocales de Burke flotan con una gracia íntima entre el rock y el soul. Elaborado con la colaboración de algunos de los mejores compositores del siglo XX, Hank Williams y Bob Dylan entre ellos, los 10 temas se convierten en series de mensajes concentrados en una metáfora oracular que llega en un momento incierto de la historia y termina por manifestar el entendimiento tan dolorosamente necesario.

Producido por el prolífico y celebrado autor de estudio Don Was, Make Do With What You Got es una confluencia de técnica profesional, talento del más alto nivel y material ejemplar. La mezcla de Burke de elevada espiritualidad y pasión terrenal nos transporta y penetra en el núcleo de la vulnerabilidad humana y la emoción; la habilidad de crear unas letras con profunda gravedad, adquirida por su fraseo en el gospel y su instinto para crear una reacción empática en el oyente, es precisamente lo que siempre le ha distinguido como un estilista preeminente de la música soul. Siempre con su innegable fuerza, su voltaje natural y su virtuosismo que permanece nada corto de potencia.

El camino que llevó a Solomon Burke a su trono en la jerarquía de los cantantes de soul ha sido uno de los más extraordinarios de la historia de la música pop. Nacido el 21 de marzo de 1940, su talento se desarrolló en una edad muy temprana. A la edad de siete años Burke ya era un fenómeno como cantante de gospel no sólo en su congregación, en el templo de su ciudad natal de Philadelphia, sino a través de las remotas retransmisiones en directo de los sermones. Burke ya estaba dialogando con un complejo espectro de mente y espíritu, que va del bien al mal, a través de un prisma que no explora tan sólo la psicología humana, sino que proporcionaba una experiencia valiosísima con las pasiones intrincadas del canto del gospel, la verdadera cuna donde se ha escrito la música popular americana, un territorio que pertenece a Solomon Burke.

Grabó con el sello independiente Apollo Records a la edad de 14 años; su debut discográfico fue un éxito de ventas millonarias, Christmas Presents from Heaven, pero algunos años más tarde, en 1960, el cazador de talentos Jerry Wexler le llevó a la Atlantic Records, en donde Burke aplicó la técnica del gospel al secular R&B, llenándolo de profundidad, y con una amplitud de emoción que definió lo que llegaría a ser conocido como música soul. Su contribución en Atlantic Records fue impactante, una colección de temas clásicos: Cry to me, Everybody Needs Somebody To Love, Down In The Valley, temas además que han sido superversionados y que definieron el lenguaje del R&B con precisión, llegando a influenciar a todo el mundo, desde vocalistas tan estilistas como Otis Redding a otros más comerciales como Tom Jones y asegurándose su coronación como indiscutible rey del rock and soul.

Burke ha batido récords con unas ventas de discos superiores a los 17 millones y tiene ya una plaza en el museo Rock and Roll Hall of Fame. Ha progresado no sólo artísticamente, sino también espiritualmente (mantiene su propia iglesia en el valle de San Fernando) y a nivel personal (su familia cuenta con 21 hijos) y no parece dar signos de frenar. Make Do With What You Got muestra con evidencia sus formidables aptitudes y su gloria intacta, la voz está sublime, las interpretaciones instrumentales muy logradas y con mucha fuerza expresiva. Desde el primer tiempo del tema de Dr. John muestra su poder con una elegante autoridad y una profundidad llena de soul. El tema I Got The Blues de Mick Jagger y Keith Richards, auténticos fans de Burke, queda totalmente redefinido, y la línea de la guitarra que conduce a la voz en el tema de Coco Montoya I need your love in my life mejora si cabe el trabajo de los gemelos; Let Somebody Love Me nos muestra a un inconsolable Burke en una calle solitaria con un viento amargo soplando a sus espaldas; el viaje de Burke a través del It Makes No Difference de Robbie Robertson cala hasta los huesos, y la solemne advertencia de Hank Williams, Wealth Wont Save Your Soul, coge toda una nueva relevancia, mientras que la poderosa, afirmativa consciencia de Bob Dylan What good Am I suena con una nobleza y compasión que nadie, excepto Solomon Burke, podía conjurar.

Con su Grammy de 2002 al «Mejor Álbum de Blues Contemporáneo» Burke se presentaba a una nueva generación de aficionados, ampliándose también su impresionante carrera artística. Ha aparecido numerosas veces en televisión, ha girado por segunda vez con los Rolling Stones, ha colaborado también en el estudio con afamados hip-hoperos como Junkie XL y ha aparecido en el aclamado film documental de Scorsese Lighting in a Bottle.

Estos apuntes, que serían un impresionante capítulo en cualquier carrera musical, para un artista como Burke, quien está en contacto con las profundas e ilimitadas verdades de la música soul, sólo son pequeños logros en su largo camino.

Make Do With What You Got se focaliza exactamente donde debe ser, en esa voz tóxica sin rival, un instrumento capaz de encantar y, todavía más importante, de informar.

Charles Lloyd

Nacido en Memphis en 1938, Charles Lloyd descubrió el saxofón a una edad temprana. Pronto se convirtió en una figura de la joven escena de clubes de la West Coast y tocó junto a sus colegas Ornette Coleman, Eric Dolphy, Scott LaFaro, y Charlie Haden. En 1966, formó el Charles Lloyd Quartet Original que sirvió de presentación de talentos como el pianista Keith Jarrett y el batería Jack DeJohnette. Ha actuado en todos los festivales de jazz del mundo como Montreux, North Sea, Montreal, Toronto, París, Viena, Londres, San Sebastián, etc.

Saxofonista, flautista y compositor, Charles Lloyd alcanzó la cumbre en los años sesenta, rompiendo con su cuarteto las barreras entre los seguidores del jazz moderno y el floreciente rock hippy. Sus 40 años de carrera y una discografía que incluye 35 álbumes bajo su autoría y otras tantas colaboraciones (Chico Hamilton o The Beach Boys incluidos) le han permitido adquirir un prestigio enorme y ser una de las referencias imprescindibles cuando se habla del jazz moderno.

Charles Lloyd fue el primer músico de jazz que hizo una gira por la Unión Soviética y el primero también en vender un millón de copias del género con Florest Flower, grabado en directo durante el Festival de Monterrey de 1966, con un joven Keith Jarrett al piano. Después llegó una retirada parcial y no regresó a los escenarios hasta finales de los 80. Su firma con el sello ECM amplía desde entonces su obra, con trabajos calificados de exquisita espiritualidad, delicadeza y un sonido, lo menos, inimitable. En 2002 grabó dos discos enormes: Which Way Is East y antes Lift Every Voice. Reverenciado por igual por músicos de tan distinta filiación como Keith Jarrett, Joe Lovano y David S. Ware, Charles Lloyd posee un sonido reconocible a la primera escucha: quebradizo y encantatorio, delgado y flotante como una brisa.

Al Jarreau

El estilo vocal único de Al Jarreau es uno de los más valiosos tesoros del mundo. Su inédita expresión musical ha hecho de él uno de los más excitantes y aclamados artistas de nuestros tiempos con cinco premios Grammy, numerosos premios internacionales de música y acreedor de reconocimiento mundial.

No es de extrañar que haya perfeccionado su técnica hasta convertirla en arte. Al fin y al cabo, ha estado cantando desde los cuatro años, junto con su hermano, y actuando en solitario en múltiples eventos locales en su ciudad natal de Milwaukee, Wisconsin. No obstante, la música no ha sido siempre su única virtud. Ha sido un excelente deportista y un estudiante por encima de la media durante el bachillerato y la universidad.

Al inscribirse en el respetado Ripon College de Wisconsin, Jarreau continuó cantando por diversión, actuando localmente en un grupo llamado The Indigos durante los fines de semanas y las vacaciones, y se graduó con una licenciatura en Psicología. Después de pasar a la Universidad de Iowa, donde obtuvo un Master en «Vocational Rehabilitation», Jarreau se mudó a San Francisco para comenzar su carrera como consultor de rehabilitación.

Fue allí donde las dotes musicales de Al comenzaron a forjar su futuro. Se encontró actuando en un pequeño club de jazz junto a un trío encabezado por George Duke, y a finales de los 60 supo sin dudar que haría de la música su forma de vida. Después de mudarse a Los Ángeles, comenzó su aprendizaje en conocidos locales, referentes nocturnos como Dino’s, el Troubador y el Bitter End West. Poco después, se transfirió a Nueva York, donde se dio a conocer en las televisiones nacionales con Johnny Carson, Merv Griffin, David Frost y Mike Douglas, a la vez que formaba equipo con el guitarrista Julio Martínez acompañando a cómicos emergentes como John Belushi, Bette Midler, Robert Klein, David Brenner, Jimmie Walker en el célebre local de comedia The Improv. En 1975, después de un largo periodo en el Bla Bla Café, de Los Ángeles, fue descubierto por los ojeadores de talentos de la Warner Bros que le ofrecieron un contrato discográfico. Su debut con el álbum We Got By fue aclamado unánimemente. Ese reconocimiento se extendió a través del continente, y más allá del Atlántico cuando a Jarreau le fue otorgado el Grammy Alemán al Mejor Solista Emergente Internacional ese mismo año. Un segundo Grammy Alemán le fue entregado con el lanzamiento de su siguiente álbum, Glow. En 1977, Jarreau se embarcó en su primera gira mundial, desde la que Look To The Rainbow, su doble álbum en concierto, fue creado. Ese mismo año, ganó su primer Grammy Americano a la Mejor Actuación Vocal de Jazz y destacó gracias a las opiniones de público y crítica en revistas especializadas como Performance, Cashbox, Downbeat, Stereo Review y otras respetadas publicaciones musicales.

Su cuarto álbum, All Fly Home, fue lanzado en 1978 con gran éxito, llevándole a un segundo Grammy al Mejor Cantante de Jazz. Fue seguido por una sucesión de producciones exitosas y originales, incluyendo This Time, de 1980, y Breakin’ Away, álbum que alcanzó el millón de ventas y que le proporcionó una mayor audiencia y dos Grammy más con reconocimientos al Mejor Cantante Masculino de Pop y Mejor Cantante Masculino de Jazz.

Las producciones siguientes a Breakin’ Away, el álbum Jarreau, de 1983, y High Crime generaron una serie de éxitos R&B y pop y le consolidaron como estrella internacional. Al Jarreau Live In London, grabado ante una multitud de espectadores en el Wembley Arena, en el año 1985, continuó consagrando su reputación de estrella mundial tanto actuando sobre un palco como en un estudio televisivo. Después del álbum en vivo, formó equipo con el acreditado productor Nile Rodgers para Lis For Lover, que proporcionó nuevos estilos y sonidos al repertorio del artista. Al continuó en la cumbre de las listas musicales del país en 1987 y se convirtió en el invitado semanal de las casas americanas cantando la canción de la serie televisiva Moonlighting, nominada a los Grammy.

Pronto se lanzó a la grabación del álbum Heart’s Horizon, que contenía el éxito R&B So Good, que le hizo merecedor de una ulterior nominación a los Grammy, esta vez por Mejor Álbum R&B. Después de casi dos años de giras mundiales, volvió a sus estudios —esta vez con Narada Michael Walden— para modelar el sonido que le lanzaría hacia su tercera década de creación musical. El resultado fue Heaven and Earth, por el que recibió su quinto Grammy por la Mejor Actuación Vocal R&B. Con eso Jarreau se convirtió en uno de los raros artistas que haya ganado premios Grammy en las tres categorías: jazz, pop y r&b.

En 1994, Tenderness fue lanzado al mercado. En él, gracias a la estelar producción de Marcus Miller, Jarreau estuvo acompañado por un reparto de elite (David Sanborn, Kathleen Battle, Joe Sample, Steve Gadd, por nombrar algunos) para proponernos una variedad de composiciones contemporáneas y para volver a ofrecernos algunos de sus clásicos.

El año 1996 le ofreció algunos excitantes retos profesionales. Mientras Al se tomaba un descanso de las giras, aceptó un breve encargo profesional de tres meses para actuar en Broadway interpretando el papel de Teen Angel en el popular musical Grease! Otros recientes trabajos incluyen apariciones como invitado estrella en New York Undercover, Touched By An Angel y un anuncio publicitario para la campaña nacional de McDonald’s con la cantante de R&B Vesta Williams.

Finalmente, para conmemorar 20 años de éxitos, Jarreau grabó su quinto álbum de recopilaciones, Best of Al Jarreau. La colección propone 14 de las más exitosas composiciones de Jarreau junto con dos nuevas canciones producidas por uno de sus mayores seguidores, su gran amigo y gigante del jazz George Duke.

Al grabó su primer álbum para la GRP Records, Tomorrow Today, lanzado en Estados Unidos el 7 de marzo de 2000. Uno de las mejores piezas del álbum fue el dueto con Vanessa Williams en la canción God’s Gift to the World. GRP Records es parte del grupo The Velvet Music Group, presidido por el productor ganador de un Grammy, Tommy LiPuma. La actuación de Al en esta producción reúne a sus viejos amigos; LiPuma produjo los álbumes Glow y Look to the Rainbow.

A Jarreau le fue otorgada una estrella en el célebre paseo de la fama, en Hollywood, conmemorando su status como uno de los mejores cantantes de su generación.

Bill Wyman And The Rythm Kings

Histórico componente de la sección rítmica de los genuinos The Rolling Stones, Bill Wyman ha ido forjando una sólida carrera en solitario que demuestra que tras su estática estampa se esconde uno de los mejores bajistas de todos los tiempos y un estimable compositor dotado de un fino olfato, capacidad que le permite seleccionar cuidadosamente los pasos que va a realizar.

Bill Wyman se relaciona desde hace años con la flor y nata de los músicos británicos y junto a ellos ha registrado cuatro álbumes de grata escucha, embarcándose en giras que demuestran que los logros en estudio son superados con creces cuando éstos, apropiadamente bautizados Reyes del Ritmo, pisan las tablas.

Bill Wyman comenzó en el Festival de Jazz de Oviedo 2006 su nueva gira española de verano que le llevó a actuar en el Festival Jazzaldia de San Sebastián, en el Festival de Jazz de San Javier, entre otros.

Por si su nombre y trayectoria no fueran suficiente garantía, la nómina de componentes de esta numerosa formación que acompañó a Bill Wyman en el mes de julio de 2006, la completaron tres reputados guitarristas, el gran Albert Lee, de quien sobran los comentarios, Terry Taylor, tan efectivo como contundente, y Andy Fairweatherlow, un teclista de auténtico relumbrón como Georgie Fame con su inmortal Hammond B3, un batería todo terreno como Graham Broad que ha puesto sus baquetas al servicio de mitos como The Beach Boys, Drifters o The Temptations entre otros. A las voces, un lujo pocas veces alcanzable; por una parte, el mítico cantante y alma máter de la Stax, Eddie Floyd, que con casi veinte álbumes en su discografía particular es un prestigioso compositor, arreglista y productor nacido en 1935 en Alabama que ha escrito y trabajado junto a los más grandes de la música negra de los décadas de los 60 y 70; junto a él, nos deleitó Beverley Skeete, que atesora una voz dúctil donde las haya, generosamente apoyada por varios de los Kings y una soberbia sección de vientos y coros.

La banda interpreta algunas de las grandes canciones de la historia del jazz y del rhythm & blues de los últimos 40 años, así como canciones de grandes artistas de todos los tiempos como Nat King Cole, Fats Waller, Louis Jordan, Billie Holiday, entre otros.

Bill Wyman & The Rhythm Kings ofrecen en el escenario memorables conciertos, plenos de excitación y buenas vibraciones.

Sopa de Ganso Dixie Band

Sopa de Ganso Dixie Band propone una música alegre, sin más pretensiones que la diversión, en la que el público participa y disfruta durante sus espectáculos de una gran calidad musical y una puesta en escena que les transporta de alguna manera a la época dorada del charlestón y el fox-trot.

Los conciertos de Sopa de Ganso Dixie Band están presididos por un tono festivo y una contagiosa alegría transmitida desde el escenario, en el que hay espacio para la improvisación colectiva y para apreciar el excelente nivel de unos músicos que conforman un grupo perfectamente ensamblado.

Se trata de la primera agrupación asturiana que se adentra en la más profunda tradición del jazz de Nueva Orleáns.

La sección de viento formada por clarinete, trompeta y trombón, junto con una sección rítmica compuesta por banjo, contrabajo y batería y una carismática voz solista, forman Sopa de Ganso Dixie Band.

Se presentaron al público en el café Masaveu 55 de Oviedo el día 30 de marzo del 2006.

Fueron seleccionados para actuar en el Festival Internacional de Jazz de Oviedo 2006.

Son sus miembros:

—Alfonso Vega, clarinete y cofundador.

—Moisés Álvarez, banjo tenor y cofundador.

—David López, trompeta.

—Antonio Gómez, trombón.

—Adrián López, batería.

—Daniel Morán, contrabajo.

—María Álvarez, voz.

Leonel O'Zúñiga y Havana Street Band

El grupo revelación del panorama salsero. La estrella en alza de su género. Leonel O'Zúñiga, saxofonista, flautista y compositor, lidera un grupo de nueve excelentes músicos de los que brota la mejor salsa del momento, la más innovadora. Enmarcada dentro del son, incluye toques de timba que hacen su directo impresionante.

La calidad individual de sus integrantes se potencia como grupo para imprimirle a su música el ritmo y sabor que los hacen inolvidables.

Cuentan con un interesante repertorio de números propios de gran fuerza y, en arreglos musicales de gran calidad, de temas tradicionales cubanos, así como de temas internacionales. Éstos han sido realizados por extraordinarios arreglistas cubanos, entre ellos el pianista Lázaro Hernández y el bajista Riverón del grupo Cubanísimo.

El espectáculo no está únicamente compuesto por su ritmática música, sino por coreografías que nos incitan inevitablemente a seguirlos. Verlos y escucharlos es un placer.

Es bien sabido que en Cuba la educación musical es uno de los pilares del sistema docente de este país y que la sensibilidad musical de los cubanos se ve potenciada por esta misma razón; por ello, es frecuente que un músico cubano domine varios instrumentos. Tal es el caso del director de esta formación, Zúñiga, como es conocido en el mundillo musical, que aunque se presenta como flautista y saxofonista tenor, domina además el saxo barítono, el violoncelo y la guitarra y es capaz de tocar otros instrumentos con dignidad.

Aunque este hecho es bastante común en Cuba, no es menos cierto que Zúñiga es un músico muy respetado por su calidad interpretativa y sensibilidad musical, habiendo formado parte de grupos de gran nombre en este país.

Como es habitual en grupos de este estilo, cuentan también con un repertorio de latin jazz en la que se destacan especialmente su brillante sección de vientos, de estructura tradicional: saxo, trompeta, trombón, complementadas por la flauta. En este caso también cuentan con temas propios y con adaptaciones de temas de grandes músicos, como puede ser Afro Blue de John Coltrane, llevado a tiempo de danzón.

Su debut se realizó en la prestigiosa sala Luz de Gas de Barcelona en el mes de mayo de 1999, y desde entonces hasta la fecha han realizado actividades de gran interés.

Synthesis Ensemble

El grupo Synthesis, de la universidad de Brigham Young University (BYU), que ha sido galardonado con varios premios del jazz instrumental, está celebrando su trigésimo año de grandeza musical con un banquete para los oídos. Este grupo lleno de innovación presenta la fusión de la energía del jazz con otros estilos contemporáneos. Synthesis es reconocido mundialmente como uno de los grupos universitarios de mayor prestigio en Estados Unidos.

El repertorio de Synthesis combina los estilos del swing, jazz, blues, rock, fusiones de jazz-rock, con estilos religiosos y ritmos latinos. Un concierto de Synthesis generalmente incluye los legendarios favoritos del jazz como: Count Basie, Duke Ellington, Glenn Miller y Louis Amstrong; al igual que composiciones y arreglos musicales por los miembros del grupo. Las tonadas de swing y los espectaculares solos pueden dejar sin palabras aun a las audiencias más selectas.

Esta banda de jazz ha recibido un sinnúmero de honores desde su formación. Estos honores incluyen presentaciones en el prestigioso Festival de Jazz de Montreux en Suiza, en donde fue uno de los tres grupos seleccionados para participar en el festival nocturno de las Grandes Bandas. Este grupo de jazz también ocupó el primer lugar en el Lionel Hampton Jazz Festival (Festival de Jazz de Lionel Hampton) en Moscow, Idaho y en el Pacific Coast Collegiate Jazz Festival (Festival de Jazz Colegiado de la Costa Pacífica) de Estados Unidos.

En 1995, Synthesis fue una de las bandas universitarias invitadas a participar en la convención de la Asociación Internacional de Educadores de Jazz en Anaheim, California.

En febrero del 2002, Synthesis tuvo la oportunidad única de presentarse ante el mundo en los Juegos Olímpicos de Invierno del 2002 en la ciudad de Salt Lake City. Durante las dos semanas de los Juegos Olímpicos, Synthesis se presentó en el Tabernáculo del Parque, uno de los auditorios de los Juegos Olímpicos, en Provo, Utah. Visitantes de todas partes del mundo pudieron presenciar los espectáculos de 15 grupos musicales y de danza de la universidad de Brigham Young University que se presentaron en diversos auditorios de los Olímpicos de Invierno, al igual que en las ceremonias de apertura y clausura de este gran evento.

Como reconocimiento de 30 años de presentaciones sobresalientes y de un historial competente, Synthesis fue invitada a participar en el Homecoming Spectacular que se celebra anualmente en la universidad de Brigham Young University. Este evento, que resalta el talento de los grupos más destacados de la universidad, hizo especial honor a Synthesis con el tema representativo Never Stand Still, basado en cadencias de los cuarenta.

Ray Smith, director de Synthesis, toca y graba música profesionalmente al tiempo que trabaja como director de estudios de jazz y es profesor de instrumentos de viento en BYU. Los talentos de Ray Smith han sido reconocidos por artistas famosos como Kurt Bestor, Johnny Mathis y Los Supremos. La experiencia musical de Smith es clave para el éxito que Synthesis ha gozado a través de los años.

Synthesis se origina en la Escuela de Música de la Brigham Young University en Provo, Utah. BYU es una de las universidades privadas más grandes de Estados Unidos que cuenta con más de 30.000 estudiantes de todas partes del país y alrededor de 120 países del extranjero.

Latin-Va

Latin-Va presenta un nuevo proyecto donde el jazz se convierte en música popular para el disfrute de un público heterogéneo, con un conjunto de músicos muy especial.

Satisface encontrar músicos que abordan la fusión del jazz y la música latina, siguiendo los pasos de Arturo Sandoval, Mario Bauza, Tito Puente, Dizzy Gillespie, Michel Camilo, Chick Corea... Todos los temas incluidos en el repertorio tienen un gran interés armónico complementario a la viveza rítmica propia del género, y se trata de una selección de conocidos temas adaptados y versionados a ritmos como swing, bolero, cha cha, latin jazz, mambo...

Se trata de un proyecto donde las intervenciones solistas están muy bien dosificadas, todos los miembros del grupo encuentran poco a poco ocasiones de lucimiento especial, creando un ambiente festivo para un concierto de fuerza y alegría contagiosas.

Dr. Macaroni Latin-Jazz Brass

La Brass Band Dr. Macaroni nace en el año 2000 en Madrid e interpreta temas de los mejores compositores en la historia del jazz: Thelonious Monk, Horace Silver, Dollar Brand, David Murria, Herbie Hancok, Jack de Johnette, Herbie Nichols...

Los arreglos propios y los ritmos latin-jazzy dan a Dr. Macaroni un aire festivo sin perder la alta calidad musical.

Está compuesta por los siguientes músicos:

—Trompeta: Manuel Machado y Yaure Muñiz (Cuba).

—Trombón: Tom Jonson (Inglaterra), Santi Cañada (España) y Norman Hogue (USA).

—Tenor: Román Filiú, Cándido Mijares (Cuba) y Alejandro Pérez (España).

El sexteto musical animó las calles ovetenses durante la Semana del Festival de Jazz de Oviedo 2006 y actuaron todas las noches a la 1 de la mañana en la ovetense Sala Tribeca.

The Black Heritage Choir: «The Sound of Gospel»

De todos los géneros de canción popular que han sobrevivido en América hasta el presente siglo, el espiritual es probablemente el más extendido. Con el nombre de «espirituales negros», que posteriormente darían lugar a su variante más contemporánea, el gospel, han entrado en las iglesias y en las salas de conciertos, han influido en compositores como Dvorak o Virgil Thompson, y han sido cantados en escuelas y coros de todo el mundo.

The Black Heritage Choir, bajo la dirección de Mr. Jerry Calvin Smith, en su concierto The Sound of Gospel, rinden homenaje al conjunto de esa tradición, desde sus orígenes en las plantaciones hasta sus derivaciones más urbanas. Lo más reseñable desde el punto de vista artístico es la paradoja de encontrarnos ante un coro de solistas, en el que todos sus componentes tienen un papel protagonista sin que esa singularidad debilite el sonido del conjunto.

El sonido del gospel, y ésa es quizá su peculiaridad más destacada y lo que explica su impacto inmediato en las audiencias más dispares desde España hasta Japón, está presente en el ritmo y en las vibraciones de toda la música popular contemporánea. No sólo las grandes estrellas de la canción internacional están en deuda con los millares de cantantes anónimos que han practicado este estilo a lo largo de tres siglos, sino que muchas de ellas, Aretha Franklin, Ray Charles, los Jackson, James Brown, proceden directamente de las iglesias negras.

Aunque la música es lo fundamental, especialmente para audiencias ajenas a las referencias culturales y vitales del género, conviene subrayar que el gospel se basa en sus propios estándares estéticos: se distingue por su lenguaje propio y un complejo sentido del ritual y del decoro, que ha sido alimentado por comunidades que reúnen una elevada sofisticación musical y un sentido especial para reconocer la honestidad auténtica en la expresión de la emoción. Lo que hace de esta música religiosa un fenómeno social perdurable es su constante relación con la realidad cultural de sus congregaciones. El gospel ha incorporado históricamente las corrientes musicales más vitales del momento, el jazz, el blues, el country o el hip hop.

Todo cambia y todo permanece, ésta es la divisa que mejor define la música religiosa de los negros norteamericanos. Desde los lejanos tiempos de las plantaciones, cuando hombres y mujeres de África fundieron su propio estilo de interpretación con los himnos ingleses del siglo XVIII, hasta este hoy en el que los afroamericanos de Estados Unidos presentan la música que les ha proporcionado identidad en salas de todo el mundo, el mundo ha cambiado y vuelto a cambiar, pero los cantantes de gospel siguen cantando con su cuerpo y cada frase sigue destilando la misma soledad y el mismo orgullo. Ésta es mi Historia. Ésta es mi canción.

High Groovin Jazz Band

High Groovin es una banda de jazz fusión compuesta por jóvenes talentos de distintas nacionalidades que se reunieron en Boston (EE. UU.), en la Berklee College of Music, para perfeccionar sus estudios musicales.

La formación empezó actuando en los music halls y recitales de la universidad e inmediatamente pasó a actuar en los diversos clubes de Boston y Nueva York. Más tarde se consolidó con una gira europea tocando en festivales y clubes de distintos países: Suiza, Bélgica, Luxemburgo, Francia, Alemania, Portugal, Italia, España...

La banda refleja un estilo ecléctico y de fusión abarcando e integrando los diversos bagajes musicales de cada miembro del grupo, mezclando el jazz, latin, swing, funk, afro y ritmos de Brasil. Los temas originales, compuestos por los distintos miembros del grupo, forman un mosaico siempre integrado en un sonido y estilo propio.

Gabriel Riesco (guitarra) es la referencia en España de esta banda. Ha tocado con lo más granado de España, Miami y Boston, habiendo participado en festivales por todo EE. UU. y Europa.

Peter Stears es uno de los contrabajistas más solicitados en el panorama musical del momento bostoniano y californiano. Michel Reis (piano) contagia su frescura y su calidad en sus pinceladas a la hora de la improvisación. Jeff Fajardo (batería) es un espectáculo por su juventud, independencia rítmica, técnica, etc. Nir Na’aman (saxo) es otra joya de la corona con una proyección imparable. Bob Sands, saxofonista neoyorkino, afincado en España, que ha actuado y grabado con los músicos más importantes tanto a nivel nacional como a nivel internacional, fue el músico invitado por la banda al Festival Internacional de Jazz de Oviedo 2006.

Brillante y depurada técnica, sentido dinámico de la composición, fuerza y rigurosidad musical, improvisación, tiempos, ritmo, continuidad..., todo se aúna en una original síntesis que estampa un sello único que High Groovin Jazz Band imprime en cada nota que toca en su directo más arrollador...

Fool Ensemble

... a ti gústate el Jazz?

— ¡Que va, ho..., eso ye música ratonera!

(Típica conversación entre dos personas que nunca han asistido a un concierto de jazz en directo).

Realmente es cierto, existe esa sensación de inaccesibilidad del profano que limita enormemente las posibilidades de difusión del género. Pero en la mayoría de los casos ese prejuicio no está justificado, porque el que acude por primera vez a un concierto de jazz, por muy arcaicos que sean sus conocimientos musicales, siente..., percibe que sobre el escenario está pasando algo.

También habría que decir que hay muchos tipos de jazz, más y menos abstractos para el oído, y FOOL ENSEMBLE podría ser una buena introducción ya que basa su repertorio en los clásicos (del jazz, claro).

Los «standards» son esas canciones que no conocemos pero todos hemos oído alguna vez y están archivadas en algún lugar de nuestro subconsciente, impresas en el imaginario colectivo occidental del siglo XX que nos bombardea a través de la radio, el cine y la televisión (algo bueno tenía que tener).

FOOL ENSEMBLE comenzó a dar sus primeros pasos en el invierno de 1999, provocados por la afición al jazz de un grupo de jóvenes músicos de Oviedo que no sin un enorme respeto a la entidad de esta forma de entender la música, plantearon una banda que basara su repertorio en viejos «standards» con el objetivo de ejercitar sus ideas musicales y ampliar su experiencia.

A pesar que desde entonces ha habido alguna variación en la formación del grupo, el espíritu que lo impulsa es el mismo y la mejora ha tenido lugar en la cohesión del sonido de la banda y la ampliación de su repertorio, provocado en gran medida por la asiduidad de Fool Ensemble en sus actuaciones en el pub Blackberry de Oviedo durante los tres últimos años.

Fool Ensemble, además de su actividad en bares y pubes, ha tenido la suerte de participar en eventos de la categoría del Festival de Jazz de Bueño (2002), Festival de Jazz de Oviedo (2004), así como en las dos últimas ediciones del ciclo Jazz Cajastur, sin olvidarnos de los conciertos anuales organizados por la asociación Mundomúsica, que les han permitido compartir escenario con figuras consolidadas de la escena jazzística.

Actualmente, Fool Ensemble es un quinteto compuesto por la típica sección rítmica (batería, contrabajo y piano), con un saxofón y la voz de un cantante.

Esta formación le permite incluir en su amplio repertorio temas instrumentales de bop, bossanova o funk (straight no chaser, wave, chameleon...), así como «standards» clásicos y temas de jazz tradicional o swing (All the things you are, It don’t mean a thing, All of me...).

También se atreven a entonar temas propios forjados en la afición a la composición de algunos de sus miembros (No se como, Song for Floro, Kalevala...).

Yara Beilinson Quintet

Yara Beilinson Quintet nace en Barcelona con una propuesta nueva y original.

Bebiendo de las fuentes del jazz, la bossa nova y el samba, deciden investigar y fusionarlos con otros estilos como el latin, el sfro, el glamenco, el funk...

Su repertorio combina composiciones propias y «standards» de la música popular brasileña de autores como Tom Jobim, Chico Buarque, Joao Bosco o Djavan.

Una banda de excelentes músicos de sólida formación, con arreglos cuidados, nuevas armonías, elegancia en su interpretación e improvisación y una gran implicación emotiva son los ingredientes necesarios para garantizar un espectáculo innovador y único, lleno de ritmo, vitalidad y energía, así como calidez, sensualidad, personalidad e indudable sonoridad propia, para que el público pueda disfrutar.

Su repertorio es el siguiente:

Madalena - Ivan Linz

Faceira - Ary Barroso

Inquietaçao - Ary Barroso

O Bebado e o Equilibrista - Joao Bosco

Embola Bola - Djavan

Triste - Tom Jobim

Garota da Ipanema - Tom Jobim

Desafinado - Tom Jobim

Samba da Uma Nota So - Tom Jobim

Mais Quem Nao Quer, Nao Sabe Ver - Yara Beilinson

Ainda Estou Aquí - Yara Beilinson

Halagaos - Djavan

Beiral - Djavan

Luxo So - Ary Barroso

Joaquín Chacón

El guitarrista y compositor Joaquín Chacón pertenece a una generación de músicos surgida en España en los pasados años ochenta, al amparo de las primeras escuelas de jazz en España y a la eclosión cultural que en esta década dio como fruto la enorme profusión de festivales, clubes de jazz y programaciones en teatros en torno a esta música.

Joaquín Chacón nació en Madrid en 1977, recibiendo desde niño influencias musicales flamencas heredadas de su padre. Estudió en el Conservatorio de Madrid, sintiéndose en poco tiempo atraído por el jazz. Cursó estudios en las escuelas de jazz pioneras en Madrid y Barcelona, asistiendo también a varios importantes seminarios internacionales, pudiendo completar sus estudios de jazz en Holanda, en el Koninkligk Conservatorium, y en Alemania, estudiando en escuelas privadas con profesores-músicos de la talla de John Abercrombie, Dave Liebman, Joe Henderson, Barry Harris, Bruce Horman, Richie Beirach y Jerry Bergonzy.

Sus primeras experiencias profesionales le vinculan a algunos de nuestros músicos más importantes y representativos y en grupos ahora ya legendarios de la escena de jazz madrileña. En el grupo Neobop colabora durante más de dos años, al lado de Javier Colina, y Chano Domínguez, una de las formaciones más sólidas del grupo, y en Solar coincide con el saxofonista y clarinetista danés Uffe Makussen, con el que desarrollará una intensa colaboración en España y también actuando juntos en importantes formaciones de la escena de jazz de Escandinavia. Con esas formaciones graba los álbumes Dentro y Blue Sax Jazz, este último patrocinado por la Universidad de Málaga.

Después de esas experiencias y de varios años de rodaje, se decide a organizar su propio grupo que llevará su nombre, al mismo tiempo que acepta trabajos para tocar y grabar discos para diversas formaciones, siempre al lado de importantes figuras internacionales, como Jim Snidero, Bobby Floyd, Mike Richmond, Billy Hart, Al Foster, Kevin Hays, Keith Copeland, Uffe Markussen, Ben Stivers, Pedro Ruy Blas, Perico Sambeat, Jorge Pardo o Doug Raney, entre otros. Así que Joaquín Chacón, con su propia banda o con otras formaciones, ha tenido la oportunidad de actuar en la mayoría de festivales de jazz en España, así como en otros en Alemania, Holanda, Dinamarca, Noruega, Marruecos, Túnez, Egipto, Líbano, Jordania, Angola, Méjico, Corea y Vietnam.

En sus quince años de carrera como profesional, su gran talento como guitarrista y compositor ha quedado reflejado en una gran variedad de trabajos discográficos propios y para otros artistas: We'll be together again y Crisis (RNE), Primer encuentro (Iberofón), Dentro (Nubba Records), Blue Sax Jazz (Universidad de Málaga), Música de los elementos (Black Star Records), San, Time, Waltz for Katy, European Quintet Time y Out of this world (Fresh Sound Records), Teatro, Circo y Variedades (Nuevos Medios), Torre de Babel (Karonte), Madrid-Barcelona Project (Satchmo Jazz), Jazz y otras músicas de Madrid (Músicos Asociados), Bobby Floyd, Joaquín Chacón y Noah Shaye en el Central (Ingo Música), Live in Spain (Casual Prod.), Música Creativa (Música Creativa Prod.) y, en 2006, Spanish Standars Project (Summun Music).

Marco Martínez Quartet

Fue en Quatro Jazz Quartet donde empezó la andadura jazzística de Marco Martínez, formación con la que recorre algunas de las salas y festivales más notables del ámbito nacional. En 1998, Marco Martínez y Xaime Arias emprenden una relación profesional que deriva en este cuarteto. La labor que como compositores desarrollan se ve plasmada en 2003 en la publicación de Qu4tro, grabación en la que, con nueve temas, reparten y comparten autoría.

En 2001 son seleccionados de entre 300 grupos y solistas, para actuar en los «Circuitos de Música Injuve», que el Instituto de la Juventud organiza.

Han actuado, entre otros, en el XXV Festival Internacional de Jazz de Getxo «Europar Jazzalia», Festival «Jazz en el Museo» celebrado en el Museo de Bellas Artes de Badajoz, la Muestra de Jazz Ibiza 2001, IX Jornadas de Jazz de Ribadesella, el XI Festival de Jazz de Lugo, en el I, II, III y IV ciclo «Jazz Cajastur», el Festival «Jazz de la Villa» de Madrid, etc.

Con este nuevo proyecto de Marco Martínez se consolida el camino abierto por Quatro Jazz Quartet, donde las composiciones propias uniformizan el aparente eclecticismo de la banda. Son estas composiciones y la reinterpretación de los «standards» los que dan razón de ser a esta formación, pues unos y otros son tratados con el cariño que se tiene a lo que se siente propio.

Durante estos ocho años, diferentes solistas han colaborado con la banda: Miguel Fernández Vallejo, Eladio Díaz, Isaac Turienzo, Javi Rubio, etc.

Completan esta formación una de las secciones rítmicas más solicitadas y conectadas del país, la formada por el contrabajista argentino Marcelo Escrich y el baterista Félix Morales, uno de los referentes del jazz asturiano.

Divine Gospel Reunion

Después de largos años de carrera surcando, cada una por su lado, el mundo entero con actuaciones diversificadas en el pop, el jazz y, sobre todo, el gospel, tres grandes solistas unidas por la misma pasión y este gran amor por el gospel se encuentran finalmente juntas en escena y para su propio espectáculo.

Joniece JAMISON, TORI y Linda Lee HOPKINS, Divines por este don que Dios les ha dado y por aquello que sentirá el público. No les gusta que les llamen «divas» pero es que... ¡es lo que son!

Tres voces, tres Estilos sobre la misma vía para compartir con el público la fe, la amistad, el amor, la imagen y la cultura auténtica del gospel.

Una energía desbordante y unas interpretaciones que cortan la respiración.

Eddie Henderson Iberian Quartet

Isaac Turienzo es nuestro músico asturiano de jazz más internacional. El pianista ha paseado nuestra música por los cinco continentes y ha tocado fuera de España en más de cincuenta ocasiones.

Este año (2006), Isaac Turienzo Trío, con Miguel Ángel Chastang y Paulo Bandeira, nos brinda la oportunidad de escuchar a uno de los trompetistas más importantes del momento, el gran Eddie Henderson.

Henderson ha colaborado a lo largo de su carrera con diferentes músicos europeos. El trío formado por Isaac Turienzo, Miguel Ángel Chastang y Paulo Bandeira acredita un sonido elegante, original y multirracial. Aires jazzísticos del sur de Europa. Jazz Ibérico.

El repertorio, que recoge temas muy conocidos por el gran público, incluye también música original del trompetista, obras emblemáticas de Miles Davis, con quien Eddie colaboró en algunas ocasiones, y «standars» con alguna pincelada de música española o latina.

The Campbell Brothers

The Campbell Brothers presentan Sacred Steel, música de gospel con guitarras de pedal y voces. Esta tradición procede de la House of God Keith Dominion Church, iglesia en la que esta música ha sido parte de las celebraciones durante sesenta años. En la actualidad, la música se ha trasplantado a las salas de concierto, incluyendo el Hollywood Bowl, el Kennedy Center, la Brooklyn Academy of Music y el Symphony Space.

Chuck Campbell, guitarrista de esta especialidad, y su hermano Darick son dos de los músicos más sobresalientes en este campo. Han dirigido la banda durante dos décadas y encabezan una sección de ritmo muy enérgica con Phil Campbell en la guitarra eléctrica y su hijo Carlton en la batería. La emblemática y tradicional voz de Katie Jackson conduce al conjunto a unos niveles de expresión y energía que desafían cualquier descripción.

The Campbell Brothers presentan un rico y variado material procedente del repertorio de las iglesias pentecostales en una nueva variante que presenta sonidos, voces y ritmos nunca antes oídos en este contexto.

Chuck Campbell, el líder de la formación, empezó a tocar profesionalmente a la edad de 17 años. Chuck debe su renombre musical a las innovaciones técnicas y musicales que ha introducido en la forma de tocar su instrumento. Sus distorsiones, el uso del pedal de wah wah y su imitación instrumental de la voz humana, evocan los quejidos del gospel y las canciones de trabajo. También hay que atribuirle un papel determinante en los dos últimos trabajos discográficos del grupo: Sacred Steel On Tour y Sacred Steel For the Holidays.

Vargas Blues Band with Devon Alman

Hijo de emigrantes españoles en Argentina, Javier Vargas nació en Madrid poco después de que sus padres dejaran Buenos Aires. Nueve años más tarde la familia regresa a Argentina, y es allí donde Javier empieza a tocar la guitarra.

Sus primeras influencias las encontramos en el rock argentino de finales de los 60 y principios de los 70, en grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath, Cream, Rolling Stones, The Doors, y en guitarristas como Jimi Hendrix, Carlos Santana o B. B. King que, aún hoy, son para él importantes fuentes de inspiración.

En los años 70 Javier cogió su guitarra y se marchó a EE. UU. para estudiar música. Vivió en Nashville (Tennessee) y en Los Ángeles. Tocaba en clubes y colaboraba en grabaciones como guitarrista de sesión. Cada noche participaba en jam sessions con artistas americanos e ingleses y conoció a músicos de la categoría de Alvin Lee, Roy Buchanan, Cannet Heat, que también influenciaron su estilo.

Uri Caine

Uri Caine empezó a estudiar piano en su ciudad natal, Filadelfia, con Bernard Peiffer. Tocó en grupos liderados por Philly Joe Jones, Hank Mobley, Johnny Coles, Mickey Roker, Odean Pope, Jymmie Merritt y Grover Washington. Fue alumno de la Universidad de Pennsylvania y estudió composición musical con George Rochberg y George Crumb. Todavía en la escuela, tocó con muchos de los músicos invitados que actuaban en Filadelfia, entre quienes se encontraban Freddie Hubbard, Joe Henderson, Benny Golson, Phil Woods, Donald Byrd, J. J. Johnson, Stanley Turrentine y Lester Bowie.

Sus dos primeros CD tras su llegada a Nueva York, Sphere Music (JMT/Polygram, 1993) y Toys (1995), rendían homenaje a los grandes pianistas de jazz Thelonious Monk y Herbie Hancock. Su tercer CD, Urlicht/Primal Light (1996), que inauguró la relación con el sello europeo Winter & Winter, presentaba arreglos de la música de Gustav Mahler y ganó el premio internacional «Composer’s Hut» como el mejor CD de Mahler de 1997. En Wagner in Venezia (Winter & Winter, 1997) Caine hizo arreglos de la música de Richard Wagner para un pequeño grupo que tocó en directo en el Café Quadri de la plaza de San Marcos de Venecia. Su siguiente disco, Blue Wail, de 1998, incluía composiciones originales para un trío de jazz y presentaba a Ralph Peterson (batería) y James Genus (bajo). Ese mismo año, mientras estaba de gira, Uri grabó Gustav Mahler in Toblach en directo en el Gustav Mahler Festival de Toblach/Dobaccio (Italia). En 1999 publicó The Sidewalks of New York, un tributo al primer Tin Pan Alley. En 2000, Caine realizó Love Fugue, una versión del ciclo de canciones Dichterliebe de Schumann y una nueva versión de The Goldberg Variations de Bach.

Caine también ha compuesto un ballet para el Vienna Volksoper que se estrenó en junio de 2000. El Pennsylvania Ballet presentó su versión de las Goldberg Variations, coreografiadas por Val Caniparoli, en 2001. Además, ha compuesto una nueva versión de las Diabelli Variations para el Concerto Köln Chamber Orchestra estrenada en el Kempen Festival del 2001 y ha grabado un nuevo proyecto de piezas de Mahler y un proyecto de trío de jazz con Drew Gress y Ben Perowski.

En los últimos años Caine ha trabajado en grupos liderados por Don Byron, Dave Douglas, Terry Gibbs y Buddy DeFranco, Clark Terry, Rashid Ali, Arto Lindsay, Sam Rivers y Barry Altschul, The Woody Herman Band, Annie Ross, The Enja Band, Global Theory y los Masters Musicians de Jajouka. Ha recibido becas del Pennsylvania Council on the Arts y del National Endowment for the Arts. Ha actuado en numerosos festivales de jazz como el What is Jazz? Festival (Nueva York), el North Sea Jazz Festival (La Haya), el Montreal Jazz Festival, Jazz Across the Borders (Berlín), el Texaco Jazz Festival de Nueva York, los festivales de Jazz de San Sebastián y Vitoria o el Newport Jazz Festival, al igual que en certámenes de música clásica como los festivales de Salzburgo, Holanda, Israel, la Ópera de Munich, el IRCAM y otros.

En 2001 Caine publicó tres nuevos álbumes: Solitaire, para piano solo; Rio, grabado en directo en Río de Janeiro con diversos músicos, y Bedrock3, un trío que presenta piano eléctrico y a los músicos Zach Danzinger, batería que combina una furiosa fuerza con una gran precisión, y Tim Lefebvre, bajista y responsable de los efectos vocales, en una mezcla de funk-com-fusion. Drum’n’bass, sonidos electrónicos, funk, ritmo y música improvisada son los elementos clave de este grupo. Los tres músicos componen e improvisan en canciones, sonidos y ritmos de vibración totalmente libre. Sentido del humor mezclado con tecnología punta, revisión de estilos del jazz eléctrico junto a las últimas tendencias en música electrónica.

Atomic

Este quinteto de noruegos y suecos se puede considerar el equivalente escandinavo al grupo de Chicago Vandermark 5. Las composiciones de Atomic, como las de Vandermark, están llenas de inteligentes referencias a la historia del jazz moderno y del free jazz, y ambas bandas saben perfectamente cómo integrar estas influencias sin perder su propio y particular sonido. La estructura de las composiciones es muy estricta, con complejos pasajes pero que a la vez resultan muy fluidos y con una apasionante energía rítmica. En sus composiciones destaca una característica aproximación al free y la interacción y habilidad para llevar la música hacia nuevas e interesantes direcciones, lo que les ha permitido colaborar con una gran variedad de músicos de jazz, entre los que se cuentan Chris Potter, Ian Ballamy, Ken Vandermark, etc.

Quizá lo que mejor defina a Atomic y a Vandermark 5 es que ambos grupos están constantemente tocando en directo. La nueva colección de tres CD grabados en directo, The Bikini Tapes, es el mejor testimonio de las cautivantes habilidades de esta banda en el escenario. El álbum fue grabado en Noruega durante siete conciertos al principio y al final de la exhaustiva gira por Europa y América que realizaron en 2004. The Bikini Tapes presenta diecisiete temas de los dos anteriores álbumes de Atomic, Feet Music (2001) y Boom Boom (2003), así como la colaboración con Ken Vandermark en School Days (Nuclear Assembly Hall, Okka Disk, 2004), una versión del tema Pyramid Song de Radiohead y nuevas composiciones de Ljungkvist, Broo y Wiik. Tanto Feet Music, primer CD del grupo, como Boom Boom son una explosión de energía rítmica junto a grandes dosis de buen humor, donde mezclan hábilmente fulminantes pasajes de conjunto con efusivos solos. Aunque es evidente la influencia de músicos como Archie Shepp, Charles Mingus, George Russell y Keith Jarrett, igual importancia tiene el free jazz europeo de los años sesenta. Para Atomic, la tradición americana y europea del jazz es más una inspiración que una restricción. Un punto de partida desde donde alcanzar su propio lugar en la música.

Recientemente han grabado el CD Happy New Ears! (Jazzland/Universal, 2006).

Fuente: Sociedad Ovetense de Festejos (SOF) - Ayuntamiento de Oviedo, julio de 2006 / EuroWeb Media, SL.

NOTA

(*) En 2007 se suspendería este Festival de Jazz por decisión del Consistorio, de quien dependía la SOF, después de que el alcalde, Gabino de Lorenzo, anunciara una una cruzada contra el ruido en la ciudad.


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